Kubrick - O filósofo do cinema visual (II)

De 1964 à 1971, Kubrick criou suas três obras primas: De viés político, criticou ácida e comicamente a Guerra Fria em Dr. Strangelove (1964); no ano em que o homem pisou na lua pela primeira vez, lançou 2001: Uma odisséia no espaço (1969), provando a incapacidade do homem em dominar suas próprias criações. Sexo e ultraviolência fazem parte do cotidiano do sujeito sem identidade pós-moderno, representado de Alex Delarge, em Laranja Mecânica (1971)

Doutor Fantástico (1964) é considerado por muitos críticos o início da segunda fase das obras de Kubrick. Já estabelecido na Inglaterra, desde a produção de Lolita, seu novo filme marca a passagem do cinema de caráter “humanista” para a fase da exploração dos mistérios humanos.

Dr. Fantástico é um clássico do humor negro, da crítica ao militarismo, à corrida armamentista e à banalidade em que os chefes de estado atribuem à guerra. Os bastidores da Guerra Fria são expostos e, por conseqüência, a total desmistificação do poder. Peter Sellers é, simplesmente, genial no papel de três personagens (um deles, o próprio Doutor Fantástico, um médico alemão que não consegue controlar seus extintos nazistas na cadeira de rodas, contorcendo-se todo para não saudar o presidente americano com a mesma predestinação que saudava seu fuher).

((Considero esse filme essencial para a cinemateca de qualquer cinéfilo. É visível o caráter crítico e peculiar que o diretor enxerga a humanidade e consegue adaptar para as telas os mais falhos extintos do Ser)). Em Dr. Fantástico, a relação homem-máquina é proposta pelo diretor e retomada no filme seguinte. Se em 2001: Uma Odisséia no Espaço (1968) a máquina Hal 9000 substituiria os erros humanos, como a máquina perfeita que nunca comete falhas, a bomba construida pelo doutor Fantástico foge ao controle do homem, que nada pode fazer para impedir a bomba de destruir o planeta. A humanidade passa a ser vítima de sua própria criação.

Enigmático, revolucionário, impecável. Muitos são os adjetivos que podemos atribuir à obra-prima do cinema de ficção-científica 2001: Uma Odisséia no espaço. Não somente é o maior filme de ficção científica de todos os tempos, como a obra que redefiniu o gênero. Originalmente criado em 70mm o filme era pra ser assistido em Cinerama, uma espécie de tela em 180º que daria a sensação do espectador mergulhar na história, desde o átomo até o universo (Se na tela da Tv já ficamos fascinados, imagine dentro do filme).

A evolução (ou não-evolução) do homem, desde o macaco que descobre a ferramenta até o astronauta que se aventura pelo universo é marcada pela presença do enigmático monolito negro. Ele determina o tempo e a história, sua aparição sempre representa alguma mudança na evolução da espécie no planeta. A inteligência humana é substituída pela máquina Hal 9000. Em 2001, os homens pouco têm personalidade, inclusive, no filme, o único personagem carismático é o computador Hal. Único que fala de assuntos relacionados a sentimentos, mesmo afirmando não possuir algum. A máquina é superior aos falhos astronautas, mas mesmo assim oferece total obediência aos tripulantes da nave. A falha do computador é um mistério, é impossível deduzir se Hal detectou um erro em seu funcionamento ou sua atitude foi proposital. Mas uma vez o homem torna-se refém de sua própria criação.

Os planetas parecem movimentar-se ao som da música e os planos longos definem uma viajem visual única na história do cinema. É impossível não se impressionar com o universo de 2001.

Laranja Mecânica (1971) completa a trilogia de obras geniais de Kubrick. É o retrato do sujeito da pós-modernidade, uma não-identidade que se libera na violência e no sexo. Nada mais primitivo. Alex DeLarge (numa brilhante atuação de Malcom McDowell) é o líder de uma gangue de “drugues” , e sua principal diversão é a prática da violência e ouvir Beethoven, o que exemplifica a mobilidade do sujeito.

Com a inviabilidade das leis, no século XXI, novas formas de tratamento serão testadas.Alex será vítima de um tratamento de choque que cura a violência com a exibição exaustiva de cenas de própria violência. São tirados do homem os seus impulsos naturais, tornando-o um objeto vazio. Kubrick faz análises sociológicas e filosóficas impiedosas para o futuro do ser humano. O grande número de simbolismos no filme é prova disso. Um ser pós-moderno que vive da inconstância, da identidade móvel e do hedonismo.

A exibição do filme foi proibida na Inglaterra a mando de Kubrick, em resposta à avalanche de crítica recebida pelo excesso de violência.

Kubrick - O filósofo do cinema visual (III)

A imprevisibilidade é característica na filmografia kubrickiana. Pois, do violento e polêmico Laranja Mecânica ao romântico Barry Lindon (1975) são apenas quatro anos.

A beleza plástica de Barry Lindon é única.Os planos se retirados do vídeo são verdadeiros quadros, pintados pelo perfeccionismo de Kubrick. O filme todo foi realizado com iluminação natural, descartando qualquer auxilio de luzes artificiais, inclusive nas cenas à luz de velas. É uma viajem pelo século XVIII ao som de Bach, Mozart e Schubert... Barry Lindon é a história da ascensão e queda de um charlatão, amante dos duelos, do jogo e da vida boêmia. Mesmo sendo um de seus filmes mais belos, é um dos menos divulgados.

Cinco anos mais tarde foi incumbido a Kubrick a adaptação da obra “The Shinning”, de Stephen King. O trabalho não agradou o autor do livro, porém
O Iluminado (1980) faz o expectador mais cético cobrir-se até o pescoço e rezar o pai-nosso antes de dormir. Não há quem não se lembre da expressão ensandecida de Jack Nicholson. O filme aposta no clima claustrofóbico, na profundidade psicológica e na lenta metamorfose da mente de Nicholson, atormentado por forças malignas.

Apesar de uma excelente direção e roteiro, a produção beirou o fracasso, sendo reavaliado pela crítica tempos mais tarde. Nas filmagens, Kubrick usou um total de 390 000 metros de película para um filme de 142 minutos, que gasta, em média, 2.800 metros.Uma média de 102 takes por plano, enquanto a média normal é de 10 takes. Foi usado apenas 1% do material filmado no produto final. (Acho que depois desses números ninguém mais discordará quando falo em perfeccionismo).

O grande sonho de Kubrick era dirigir um longa-metragem sobre Napoleão. Era fixado pela vida do imperador francês. Não o fez. Sete anos mais tarde, resolveu dirigir um filme sobre a guerra do Vietnã. Nada original, pois já haviam sido produzidos Platoon e mais uma dezena. Nada original se o filme não tivesse o padrão Kubrick de qualidade. Nascido para matar (1987) é uma crítica ao absurdo da guerra e à viciosa estrutura norte-americana. Mostra, como nenhum outro filme, o processo de transformação dos jovens recrutas em máquinas de matar sem escrúpulos. A mesma expressão de loucura de Jack Nicholson, em O Iluminado, é percebida no rosto do jovem destruído pelo absurdo dos campos de treinamento.A guerra é a ruína da sociedade e do psicológico, despedaçado e desfragmentado pelos seus horrores.

Todos imaginavam a aposentadoria do diretor. Já havia dirigido, ao menos, dois dos maiores filmes da história do cinema e seu nome figurava ente os maiores gênios da sétima arte.Discretamente vivendo na Inglaterra, longe da mídia e do glamour hollywoodiano, era difícil prever sua volta.

Porém, dez anos após o lançamento de Nascido para matar, Kubrick volta aos estúdios para as filmagens de Eyes Wide Shut (1999). A produção durou quase três anos, obrigando o casal de protagonistas, Tom Crise e Nicole Kidman, se estabelecerem na Inglaterra durante os 18 meses de filmagens. Mesmo a história sendo passada em Nova York, todas as cenas foram filmadas em solo inglês, inclusive as cenas de externas, reproduzidas em estúdio.

O filme volta a explorar um tema pouco abordado pelas obras kubrickianas: o sexo. Um casal, aparentemente perfeito, mergulha nos seus desejos individuais.A infidelidade não é representada apenas no plano físico (no ato de trair), mas no psicológico, explorando as fantasias e a busca de cada um pelo labirinto enigmático do desejo.

De olhos bem fechados (título do filme no Brasil) ficou abaixo das expectativas dos fãs e foi vítima do circo armado ao redor da volta de Kubrick e da sua extensa produção.

_________________________Kubrick faleceu em 7 de março de 1999, antes da estréia de sua última obra. O diretor tinha a característica de alterar seus filmes mesmo dias antes da estréia, o que deixa a dúvida em todos os fãs sobre o final de Eyes Wide Shut. A Warner Bros, produtora de seus filmes, afirma que o filme é 100% Kubrickiano. Mas se Kubrick sempre tratou os extintos mais primitivos do ser humano com especial atenção, nada melhor que encerrar sua filmografia com a maravilhosa Nicole Kidman sussurrando o verbo: “To Fuck”.

Aos apocalípticos e aficionados por teorias obscuras de plantão, Kubrick faleceu 666 dias antes da chegada do ano de 2001, o ano da odisséia no espaço.

O diretor foi indicado a 13 Oscar (um pelos efeitos especiais em 2001, três como produtor, quatro como roteirista e cinco como diretor) entre outros prêmios pelo mundo pela sua contribuição à história do cinema.

FILMOGRAFIA

1. Fear and desire (1953)
2. A morte passou por perto (1955)
3. O grande golpe (1956)
4. Glória feita de sangue (1957)
5. Spartacus (1960)
6. Lolita (1962)
7. Doutor Fantástico (1964)
8. 2001 – Uma odisséia no espaço (1968)
9. Laranja mecânica (1971)
10. Barry Lyndon" (1975)
11. O iluminado" (1980)
12. Nascido para matar (1987)
13. Eyes wide shut (1999).

Renan Damasceno, 04/2006 - 10/2007

Cine Mundi - Peru

Pantaleão e as visitadoras (dir. Francisco Lombardi. 1999)

- À primeira impressão, a versão cinematográfica do clássico de Vargas Llosa, Pantaleão e as Visitadoras, parece uma 'pornochanchada', no melhor estilo brasileiro, com pitadas de erotismo e muito humor. Ambientado no meio da Amazônia Peruana, os planos muito se assemelha aos de Fitzcarraldo, de Werner Herzog. Enfim, um realismo fantástico, assinado por Llosa e adaptado à risca pelo diretor Francisco Lombardi.

"Pantaleon y las visitadoras", (Vargas Llosa, em 1973), foi a forma encontrada pelo escritor peruano de criticar as hipocrisias do poder e da sociedade. O resultado: o defronte entre o exército, guardião da moral e protetor da pátria, e a profissão mais antiga do mundo, prostituição. A narrativa: Realismo Fantástico, assinado pelo escritor que mais representa o país no exterior. Uma mistura de realidade e ficção. Personagens reais em situações surreais.

O humor é irretocável. Característica de Llosa que o diferencia de grandes escritores latinos, de escrita semelhante, como Garcia Márquez e Júlio Cortázar.

Em 1975, o livro foi transformado em roteiro e co-dirigido pelo próprio autor. A nova versão (foto) foi o único filme produzido no país vizinho, em 1999. Venceu o prêmio Goya de melhor película estrangeira falada em espanhol e ganhou sete Kikitos de Ouro, em Gramado.

Além de Pantaleon, "A cidade e os cachorros", de Llosa, também foi adaptado para o cinema.


Madeinusa (dir. Cláudia Llosa. 2006)

Deus está morto. O filme é vermelho, cor do sangue que escorre da virgem Madeinusa, que no Dia Santo é prometida ao próprio pai.
A loucura, inquieta. A inocência, perdida. A submissão, eterna.
Com os valores religiosos acima dos valores humanos, a hipocrisia segue escondida atrás das Cordilheiras Brancas, longe dos olhos de Deus.

Um filme curioso, mas não deixa de ser interessante. Madeinusa é uma menina de 14 anos que vive no vilarejo de Manayaycuna, localizado em algum ponto remoto das montanhas da Cordilheira Branca peruana. Os habitantes, são conhecidos pelo fervor religioso e por um estranho ritual, celebrado tradicionalmente todos os anos. Para eles da Sexta-Feira Santa ao Domingo de Páscoa o pecado não existe, pois Deus está morto.

Assim todas as pessoas do povoado podem fazer o que quiserem no decorrer desses dias, sem nenhum remorso ou culpa. Porém a chegada acidental do jovem geólogo Salvador, justamente na véspera da celebração, desperta a curiosidade de Madeinusa.

Edifício Master - Solidão no meio da metrópole

"Edifício Master, ao trazer o homem comum, simples e banal para as telas nos faz pensar nas vidas, histórias e personagens que se encontram dentro de cada estreito apartamento na imensa selva vertical em que vivemos nas grandes metrópoles".

O cinema é uma arte que nasceu na cidade e ao longo do século XX foi responsável por retratar as transformações de suas formas de organização. Ao contrário da pintura e da fotografia que imortalizam a paisagem, a sétima arte usou da capacidade de captar imagens em movimento para documentar o nascimento das grandes metrópoles. Ao trazer o homem comum para as telas – principalmente, após o neo-realismo italiano -, o cinema foi responsável por estreitar ainda mais a relação entre homem e espaço urbano, integrando-o na sua paisagem como construtor subjetivo da própria cidade, dando alma ao lugar que habita.

Edifício Master, do diretor Eduardo Coutinho (Cabra marcado para morrer, 1984), retrata a organização por excelência das grandes cidades: o edifício. Coutinho pretende mostrar, com a performance de seus entrevistados, como a cidade esconde a existência humana atrás de seus emaranhados de arranha-céus. Fechados em apartamentos conjugados, esses moradores apresentam duas contradições características das sociedades pós-modernas: a solidão no meio do tumulto, do caos e a estreita relação entre anonimato e visibilidade.

Para retratar esse sufocamento, o documentário é fechado e as únicas imagens externas são feitas no começo do filme. Dos minutos seguintes até o final, a equipe transita entre os corredores dos 12 andares de 36 apartamentos cada. A geometria dos corredores, das portas, dos apartamentos conjugados estabelece a idéia de uma sociedade disciplinar. E a disciplina é abordada nas primeiras entrevistas do filme exaltando a presença do novo síndico que afastou a prostituição e as “casas de massagem” do edifício.

A câmera é, quase sempre, fixa e as entrevistas são o eixo dramático exclusivo. A seleção das entrevistas dá prioridade aos depoimentos auto-reflexivos, misturando trechos de silêncio e testemunhos dos moradores contando segredos, experiências, emoções e sentimentos . Uma metáfora destes testemunhos é a música cantada pelo morador Henrique, My Way (meu caminho), de Frank Sinatra.

Quanto a sua estrutura, Coutinho parece provocar e botar em discussão a própria veracidade do documentário na entrevista com Alessandra, uma garota de programa, moradora de um dos conjugados. Ela se assume como uma “mentirosa verdadeira” e diz que se pode mentir mesmo dizendo a verdade. Com a permissão de Coutinho, Alessandra evoca uma discussão presente desde as primeiras exibições de cinema: É possível recortar e retratar a realidade através do cinema, reproduzindo a imagem tal qual ela seria sem a interferência da câmera?

Eduardo Coutinho defende a impossibilidade de filmar o real, que está em constante transformação. O que se filmou nas semanas que a equipe esteve presente no edifício foi a realidade interagindo com a câmera e o diretor. A câmera transpassa a realidade, as imagens são fílmicas, mesmo não sendo estabelecidas por roteiro. A equipe aparece nas cenas desde sua entrada, filmada pela câmera de segurança do prédio.

O comprometimento de Coutinho não é com a veracidade dos depoimentos e sim de tirar a câmera da posição do simples voyerismo e levá-la à reflexão crítica da nossa sociedade. Edifício Master, ao trazer o homem comum, simples e banal para as telas nos faz pensar nas vidas, histórias e personagens que se encontram dentro de cada estreito apartamento na imensa selva vertical em que vivemos nas grandes metrópoles.

_Texto: Renan Damasceno

_A imagem pertence ao site sllepycity.net

_Assista um trecho do documentário Edifício Master

Drummondianas e o cinema em BH *

"Aquele mocinho engrouvinhado que têm cara de infusório"

Eduardo Frieiro, comentando a entrada de Carlos Drummond na redação do Diário de Minas em 1920.

Texto: Renan Damasceno

O cinema é a única arte que apresenta atestado de nascimento com data, hora e local – uma exibição pública realizada por Auguste e Louis Lumiére, em 27 de dezembro de 1895, às 21 horas, no subsolo do Grand Café, em Paris. Os irmãos acreditavam que a invenção serviria apenas para pesquisas científicas, registrando o movimento. Porém, tornou-se uma indústria de entretenimento lucrativa já nos primeiros vinte anos de vida, incorporada por grandes estúdios cinematrográficos e nomes inovadores como o francês Georges Meliés, avô dos efeitos especiais, e D. W. Griffith, o norte-americano que em 1915 lançou o primeiro longa-metragem da história: O nascimento de uma nação, um marco, dividindo a pré-história e a história de um cinema que prometia muito ainda na primeira metade do século XX.

A sétima arte não tardou em chegar à Minas Gerais. A primeira exibição por aqui – 22 de julho de 1897, em Juiz de Fora – aconteceu apenas 18 meses após a sessão inaugural em Paris e chegaria à recém-formada capital mineira em 1898. Belo Horizonte era uma cidade que se firmava entre a modernidade e a tradição e logo se familiarizou com a novidade.

As primeiras salas de cinema nasceram ainda na década de 10, beneficiadas pela energia elétrica estável e pela chegada do primeiro cinematógrafo permanente na capital, em 1906. Assim, em 1910, era fundado o Cinema Avenida, na Afonso Pena, o Cine Eclair, na rua São Paulo e o Cine Odeón, antigo Teatro Paris, na rua da Bahia. (Vale lembrar que na primeira década o cinema brasileiro vivia sua Belle Epoque, com 90% dos filmes em exibição produzidos em território nacional. Os Estados Unidos firmariam como cinema hegemônico após 1918, favorecido por uma invejável estrutura de produção e distribuição de seus filmes).

O Cine Odeón se transformou em referência para a vida cinematográfica da cidade e um centro de sociabilidade entre os jovens cinéfilos. Nessa época, a coluna Pelos Cinemas, do Estado de Minas – não o mesmo jornal que conhecemos hoje – passa a acompanhar a vida cultural da cidade. As salas começam a receber grandes públicos com a inauguração de cinemas populares, como o Cine Floresta, em 1915, e divide a sociedade conservadora da época que qualifica alguns filmes como “uso abusivo de decotes” ou “abundância de cenas aterrorizantes”.

O filme norte-americano “Diana, a caçadora”, que acabara de estreiar no Cine Pathé, na avenida Afonso Pena, é descrito como “mais do que prejudicial, nojento” pela tradicional Liga pela Moralidade. Não é de se estranhar tamanha repercussão que levou um moço recém-chegado de Itabira a escrever seu primeiro artigo na grande imprensa intitulado: “Diana, a moral e o cinema”, publicado em 15 de abril de 1920, no Diário de Minas. Este rapaz, que chegava na capital para tentar carreira como jornalista, era ninguém menos que Carlos Drummond de Andrade.

Muita coisa mudou desde as exibições do Cine Pathé e os jovens cinéfilos puritanos e moralistas das três primeiras décadas, certamente, atiariam fogo nas salas de cinema se assistissem, quase 50 anos depois, a obra de seu conterrâneo, Neville d’Almeida, que trouxe para as telas A Dama da Lotação e Os sete gatinhos, adaptações célebres das crônicas de Nélson Rodrigues.

*Título original: Belo Horizonte: Histórias de cinema. Publicado em maio de 2006 pelo jornal Quinzenário. Editor: Léo Quintino.

Diamante de Sangue - A África Hollywoodiana

Por: Renan Damasceno

Em um dos diálogos marcantes do filme Hotel Ruanda (EUA, 2004, dir:Terry George ), um comissário da ONU diz ao negro tutsi (interpretado por Don Cheadler), em claras e ríspidas palavras, que o mundo não se preocupa com os africanos porque estes não rendem dinheiro nem voto e tampouco têm importância política. Um ano depois, o cinema lança novamente os olhares sobre o continente africano. Desta vez para denunciar o uso de cobaias humanas e outros crimes cometidos pela indústria farmacêutica em O Jardineiro Fiel, do diretor brasileiro Fernando Meireles.

Politicamente, os 53 países africanos podem não exercer grande influência – com exceção da África do Sul, voz ativa do continente -, mas parecem render boas cifras ao império roliudiano. As bilheterias e indicações ao Oscar, dadas como certa, nos três casos, não deixam dúvidas.

Diamante de Sangue concretiza a hipótese. E prova que os países desenvolvidos passam mais tempo lendo National Geografic que realmente preocupados com a miséria e as guerras civis terceiromundista.

A problemática apresentada nos três filmes é extremamente atual e longe de qualquer resolução. O primeiro (Hotel Ruanda), traz aos olhos do mundo desenvolvido a autodestruição do povo africano causada pela união forçada de etnias rivais durante a divisão do continente pelos europeus no século XIX (no filme, a luta do povo hutus contra os tutsis na Ruanda, sul do continente).

Diamante de Sangue mostra o que a riqueza das pedras preciosas trouxe para Serra Leoa: contrabando, mortes e o surgimento de milícias armadas na disputa pelo poder. Além da presença de multinacionais interessadas no contrabando de diamantes e crianças separadas dos pais nas invasões de aldeias de pescadores, obrigadas a entrar para a luta armada aos 10 anos de idade.

Serra Leoa, na costa ocidental do continente, é um país que se dissolve em sangue. Corpos mutilados bóiam nas águas do mar e se espalham na rua da Capital, Freetown (os guerrilheiros têm o hábito de decepar as mãos da população para impedir o voto e riscam a faca no corpo dos prisioneiros mensagens aos inimigos)

Porém, ao contrário de Hollywood, o final não é feliz. Aliás, esses problemas estão longe de apresentar um final.

Tecnicamente, são três bons filmes. Nada mais que isso.

Nos filmes não há denúncias, mas meras constatações. Porém, Diamante de Sangue assume uma posição importante ao criticar a imprensa mundial por se limitar aos relatos sobre a guerra e a fome do povo africano. Apelar para testemunhos de famílias dilaceradas ao longo de todo o continente em matérias ilustradas por fotos de crianças negras, subnutridas ou mulheres se desintegrando, vítimas do HIV. Sofrimento vende e reúne todo o mundo num sentimento de comoção e piedade.

Aliás essa é a estética desses filmes: A criação de um sentimento de comoção e não de indignação. O espaço de reflexão é limitado a curtos diálogos e seqüências de imagens. O “happy end” conforta o público, mesmo sabendo que este final é provisório, pois no fundo todos pensamos que não há solução para o povo africano. Então, é melhor não pensar no futuro e aceitar que o contrabandista de diamantes ficou amigo do nativo que será ajudado futuramente pela jornalista, reencontrará sua família e viverá em Londres.

Vale lembrar que a emoção traz lucro à indústria do cinema e nada melhor que miséria para arrancar lágrimas do público. Sensacionalismo vende. Foto de subnutridos africanos vende. Matérias, relatos de guerra é entretenimento na mesa de café da manhã dos empresários e sinônimo de boas matérias para os jornais do mundo todo.

LINKS, INFORMAÇÕES E TRAILERS:

Hotel Ruanda

O jardineiro Fiel

Diamante de Sangue

Volver - Definitivamente, um filme de Almodóvar.

Volver... con la frente marchita,
Las nieves del tiempo platearon mi sien...
Sentir... que es un soplo la vida,
Que veinte años no es nada,
Que febril la mirada, errante en las sombras,
Te busca y te nombra.
Vivir... con el alma aferrada
A un dulce recuerdo
Que lloro otra vez...
(Carlos Gardel)



por: renan damasceno

Pedro Almodóvar tornou-se uma grife do cinema contemporâneo. O mais aclamado diretor de língua hispânica desde Luís Buñuel e Carlos Saura. Criou um universo cinematográfico particular: fotografia e cores peculiares, roteiros que se abrem formando uma rede de histórias a partir dos segredos e desejos das suas personagens. Assistir um novo trabalho de Almodóvar é apenas constatar a genialidade deste que é o maior diretor em atividade.

Não, não é exagero. Na história do cinema, Almodóvar é um dos raros diretores que conseguiu emplacar um estilo único em seus filmes. Digo único porque os grandes mestres, que mudaram o curso da história cinematográfica, em sua maioria, - como Eisenstein, Godard, Glauber, etc. – participavam de escolas que criavam novas linguagens a partir de experimentos coletivos, com filmes de vários diretores ao mesmo tempo - Nouvelle Vague, Neo Realismo, Cinema Novo, por exemplo. Almodóvar é estrela solitária no apagado cinema espanhol da década de 80.

A experiência de Almodóvar começou nos subúrbios de Madrid. Seus primeiros filmes (Labirinto de Paixões, 1982, Que fiz eu para merecer isto?, 1884, e Matador, 1987) têm um pouco deste mundo periférico e suburbano da capital espanhola: drogas, dragqueens e homossexualismo.

A segunda fase, a partir de 1989, com Mulheres à beira de um ataque de Nervos, marca a passagem de um cinema marginal para o universo melodramático e o reconhecimento internacional. Daí em diante seus filmes passaram a ter a marca “Una película de Almodóvar”, explorando o universo feminino, os desejos, as relações amorosas e familiares. Tudo sobre minha mãe (1999) é a prova definitiva e marca a terceira fase de seu cinema, a partir deste, seus filmes passaram a ser aguardados com anseio pelo público e aclamados pela crítica.

Minha intenção não é escrever um texto biográfico. Apesar de ter assistido todos os filmes do diretor lançados no Brasil, falta-me conhecimento cinematográfico pra isso. Coloquei essa breve história porque é impossível falar de seu mais novo lançamento sem voltar no tempo. Aliás, é Volver (voltar, em espanhol) o nome da película.

O filme é uma volta, não apenas a La Mancha, terra natal do diretor, onde são filmadas várias cenas com a protagonista Penélope Cruz (Raimunda), mas uma volta ao universo feminino, após o hiato masculino de Má Educação (2004). É a volta de Carmem Maura, musa dos seus primeiros trabalhos. A volta do que Almodóvar sabe explorar, como poucos: as relações afetivas e familiares.

A história é imprevisível – outra característica -, as personagens são muito bem desenhadas num universo, unicamente, feminino. Raimunda, a protagonista, é uma mulher bela e sofrida, no melhor estilo Sofia Loren nos filmes de Vittorio de Sica. Sole, sua irmã, após ser abandonada pelo marido, sobrevive, sozinha, trabalhando de cabelereira, clandestinamente, dentro da própria casa. Paula, a filha, a típica adolescente.

As gerações se encontram no vilarejo que Raimunda abandonou quando se casou com Paco e foi viver em Madrid. Começa com a celebração da morte: a lavagem dos túmulos, cuidados - como ensina a tradição - pelas viúvas, vestidas uniformemente de preto. Neste início, Almodóvar retrata a submissão das mulheres aos maridos, mesmo depois de mortos, e como todas, nascem e morrem, obedecendo à tradição da aldeia onde vivem. A mãe de Raimunda, que quebra essa submissão ateando fogo na casa que seu marido dormia com outra, é obrigada a viver trancada na casa da tia, abstendo-se da vida, não apenas por medo judicial, mas por destoar-se do caminho natural de todas as mulheres do lugar.

A vida de Raimunda em Madrid é difícil. Paco torna-se alcoólatra, é despedido do emprego. Ela trabalha como faxineira no aeroporto.O dia que muda toda a história do filme acarreta uma série de acontecimentos: Paula é assediada pelo Pai; Paco é assassinado com uma facada pela filha; Tia Paula (Tia de Raimunda, que vivia no vilarejo) morre e sua mãe reaparece.

A volta da personagem de Carmem Maura traz a tona uma série de segredos que dão sentido ao filme e à vida das duas filhas – Raimunda e Sole – e da neta.

Noto outra peculiaridade nos filmes do criador de Volver. Os segredos que são revelados, na maioria de seus trabalhos como diretor, e que dão sentido ao filme, poderia ser usado, certamente, para se desenvolver outro roteiro, tão genial quanto o próprio filme. Esta característica da multiplicidade esta presente nas grandes obras contemporâneas, da literatura ao cinema, como defende o filósofo italiano Ítalo Calvino, em suas Seis Propostas Para o Próximo Milênio.

Há vários filmes de Almodóvar dentro de um filme de Almodóvar.

Estamira: Esta mira, o olhar que tudo pode ver e tudo pode revelar

A intenção inicial do diretor Marcos Prado (co-produtor do premiado Ônibus 174) era filmar as transformações do aterro sanitário Jardim Gramacho, em Duque de Caxias, destino de 85% do lixo produzido na cidade do Rio de Janeiro.O processo duraria sete anos, até conhecer uma das 2000 pessoas que, diariamente, garimpavam objetos velhos e restos de comida no aterro. A senhora de 65 anos, semi-analfabeta, de pele morena e o rosto marcado pela idade e trabalho possuía uma vontade incomum de se expressar.Seu nome: Estamira, ou como afirma a própria protagonista , “A Estamira”.

Renan Damasceno

O diretor poderia ter se rendido a editar o filme mostrando apenas os momentos lúcidos desta senhora, mas perderia a essência, acabando por apenas mitificá-la. Ao contrário, explorou o discurso ora rancoroso, ora doce, mas sempre enfático da personagem. Ela é perturbadora porque é capaz de gerar sentimentos de desconforto, mas também de admiração, por isso nos afeta.

A fotografia é outro ponto forte – no início, uma filmagem manual em preto e branco contrapondo-se ao colorido digital do restante do filme - e juntamente com a trilha sonora proporciona momentos de poesia no cenário caótico e putrefato do lixão.A alvoroçada dança dos urubus sobre os restos de animais mortos e a briga de dois cachorros por uma boneca são algumas das cenas , minuciosamente, observadas pela lente das câmeras.O que poderia ser tachado, simploriamente, como estética da miséria, nos fascina pela excelente combinação entre as imagens e o discurso místico da catadora de lixo.

Os minutos iniciais do filme são uma sobreposição confusa de imagens e palavras desconexas. É a apresentação da personagem Estamira, dotada de falas sem sentido, algumas vezes, indecifráveis. Sua personalidade parece única, mas ao longo do filme se revela como milhões. Mulher, feiticeira, doce, raivosa, louca, lúcida.Todos temos um pouco de Estamira. Todo o caos do lixão, dos urubus, do mar agitado é uma metáfora de seu pensamento desordenado e inclassificável, aparentemente ilógico.

A razão de seu distúrbio pode ter explicação em sua vida. Aos 12, é levada para um prostíbulo pelo próprio avô, que a estuprava desde muito cedo. Aos 17, casa-se com um italiano com quem teve sua primeira filha. Vêm em seguida várias traições, brigas violentas, novos casamentos e novos filhos. Depois de ser fortemente violentada, revolta-se com a religião e com Deus: centro de seu discurso e que provoca descontrolada ira ao ter o nome mencionado.

Após longos minutos de frases sem sentido lógico começa a permear palavras de grande potência filosófica que criam conceitos e definem modos de pensar. O “trocadilo”, o “controle remoto”, os “espertos ao contrário” e os “astros negativos” são os mais citados. ”Minha missão, além de ser a Estamira, é revelar a verdade, somente a verdade, capturar a mentira e jogar na cara”. Suas falas são dotadas de profecias que definem sua prepotência, como a única pessoa que sabe da existência do “além dos além”, que cientista nenhum conhece.

A perturbação de Estamira não é uma doença mental, pois como ela mesma afirma que “doente mental é aquele que é imprestável”. Seu discurso é marcado por uma peculiar lucidez e um conhecimento que não é aquele aprendido na escola, “lugar onde tudo se copia”, o que a distancia do “comum”.Ao manter esse distanciamento, Estamira consegue ver o que ninguém vê: a degeneração do homem que produz a desigualdade, a violência e se oprime rendendo devoções a Deus, que o castiga. Segundo ela, quem presta esta devoção está “contaminado pela doença da terra”.

Seu pensamento não é menos verossímil e legítimo que muitos disseminados no “mundo normal”. Se suas palavras não são reconhecidas como tal, é porque Estamira é uma outsider, faz parte da comunidade dos que vivem “do lado de fora”, que sobrevivem de “restos e descuidos”, à mercê da sociedade, que deles nada quer saber. Viver do lixo não é motivo de desgosto, ao contrário, Estamira gratifica e faz de Gramacho sua casa, onde criou fortes laços de amizade. Isto faz com que o filme não caia no lugar comum, sendo uma simples denúncia da miséria. Se há denúncia, é do descaso, não apenas social, mas existencial.

Breve Biografia De Glauber Rocha

Por: Renan Damasceno

Glauber Andrade Rocha nasceu em 1939 na cidade de Vitória da Conquista, na Bahia. Aos oito anos, mudou-se com a família para Salvador, ingressando no Colégio Presbiteriano 2 de Julho, um dos mais tradicionais da capital baiana. Desde cedo, Glauber mostrou vocação para as artes, escrevendo e atuando em peças teatrais. Aos 10 anos, escreve sua primeira peça, El Ijito de Oro, escrita em espanhol e encenada no próprio Colégio Presbiteriano.

Durante a década de 50, Glauber continuou escrevendo e atuando, além de participar de programas de rádio como crítico de cinema. Cursou Direito por um ano na Faculdade Federal da Bahia, foi repórter policial e colaborou em diversas revistas e jornais.Em 1958, filma Pátio, que não foi finalizado devido à falta de sonorização.

Influenciado pela Esquerda Comunista, pelo cinema revolucionário de Sergei Eisenstein e pelo neo- realismo italiano de Rosselini e Pasolinni, Glauber despertou um novo olhar crítico sobre a cultura e a política brasileira. Queria uma arte engajada, que defendesse o Brasil do imperialismo estadunidense e do domínio do cinema roliudiano. Suas viagens pelo interior do nordeste com seu pai, o comerciante Adamastor Rocha, o fez conhecer a verdadeira realidade brasileira.

Na década de 60, o cinema brasileiro passou por uma grande revolução. As telas, antes dominadas pelos filmes de comédia e pelas grandes produções do estúdio Atlântida, dão lugar ao cinema revolucionário, liderado por Glauber, conhecido como Cinema Novo. Aderem-se ao movimento os cineastas Cacá Diegues, Arnaldo Jabor, Joaquim Pedro de Andrade e Nelson Pereira dos Santos, que dirigiu Rio 40 graus, em 1953, considerado o precursor desse novo jeito de fazer cinema.

“Uma idéia na cabeça e uma câmera na mão”, está foi a frase que deu identidade ao movimento. Em 1963, Glauber dirige “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, considerado uma obra-prima do cinema brasileiro, que denuncia o misticismo cego e a realidade nordestina.Três anos mais tarde, dirige “Terra em Transe”, com grande elenco, entre eles Mário Lago, Paulo Autran e Paulo Gracindo. O filme foi considerado subversivo e proibido de ser exibido em território nacional, alegando ofensa à Igreja Católica.Completando a trilogia das grandes obras do diretor, “O Dragão da Maldade contra o santo guerreiro”, que rendeu a Glauber o prêmio de melhor diretor no prestigiado Festival de Cannes, na França.Ainda na década de 60, o diretor filma o documentário “Maranhão 66”, que registra a posse de José Sarney como governador no estado.

Em 1971, Glauber parte para o exílio e dirige filmes internacionais como o espanhol “Cabeças Cortadas” e o italiano “O leão de sete cabeças”, sem muito sucesso. A ferocidade crítica de seus três grandes sucessos da década anterior é menos visível em seus seis longas-metragens da década de 70.Foi novamente premiado em Cannes pelo curta DiCavalcanti DiGlauber, filmado durante o funeral do pintor brasileiro DiCavalcanti.Seu último filme foi “A Idade da Terra”, criticado durante sua estréia no Festival de Veneza, em 1980.


Glauber faleceu em 1981, aos quarenta e dois anos, no Rio de Janeiro, vítima de septicemia, um choque bacteriano causado por uma broncopneumonia. Lutou pela solidificação da cultura nacional, pela liberdade e pela democracia.Mostrou para o Brasil o Brasil que pouca gente conhece.

Filmografia:

1980 - A idade da terra
1979 - Jorjamado no cinema
1976 - Di Glauber
1975 - Claro
1974 - As armas e o povo
1974 - História do Brasil
1972 - Câncer
1970 - Cabeças cortadas
1970 - O Leão de Sete Cabeças
1968 - O Dragão da maldade contra o santo guerreiro
1967 - Terra em transe
1966 - Maranhão 66
1963 - Deus e o diabo na terra do sol
1960 - Barravento
1959 - O pátio

Assista aos Vídeos na Íntegra:

DiCavalcanti DiGlauber
Documentário Manifesto Glauber

EspaçoReflexão - Bertold Brecht

O pior analfabeto é o analfabeto político. Ele não ouve, não fala, nem participa dos acontecimentos políticos. Ele não sabe o custo de vida, o preço do feijão, do peixe, da farinha, do aluguel, do sapato e do remédio dependem das decisões políticas.

O analfabeto político é tão burro que se orgulha e estufa o peito dizendo que odeia a política. Não sabe o imbecil que, da sua ignorância política, nasce a prostituta, o menor abandonado, e o pior de todos os bandidos, que é o político vigarista, pilantra, corrupto e lacaio das empresas nacionais e multinacionais.
__________________________________
Bertolt Brecht (1898-1956). Dramaturgo e poeta alemão. Revolucionou o teatro com peças que visavam estimular o senso crítico e a consciência política do espectador. Brecht foi um dos nomes mais influentes do teatro do século XX.

O Maior Amor do Mundo: o amor que brota no seco

“Toda morte é inútil e toda vida vale a pena, nem que seja por um único e breve momento.”
Por: Renan Damasceno

O Maior Amor do Mundo, novo longa-metragem do diretor Carlos Diegues, não se trata de uma obra que merece destaque apenas pela grandiosidade de seu diretor – como acontece freqüentemente com diretores consagrados e suas obras imunes às críticas. Desde sua qualidade técnica (filmado em 16mm e pioneiro na finalização digital) à excelência da atuação do protagonista José Wilker, o filme define a maturidade do cinema brasileiro. Cacá Diegues, contemporâneo de Glauber Rocha e um dos expoentes do Cinema Novo, na década de 60, traz um roteiro menos pretensioso que as obras cinemanovistas, apostando numa “viagem pelo interior e pelo exterior do Rio de Janeiro”, como ele mesmo afirma.

Antônio (José Wilker), astrofísico brasileiro radicado nos Estados Unidos, resolve voltar para o Brasil após ser notificado de um tumor no cérebro que o levaria à morte em poucos dias.Antônio é marcado pelo sucesso profissional e pelo fracasso amoroso e afetivo.Nem mesmo o ardor revolucionário de seus contemporâneos, durante os anos de chumbo, foi capaz de despertar-lhe alguma paixão.

O desafeto com o pai, um respeitado maestro, vêm desde a infância e permanece nesse reencontro.A relação dos dois é desastrosa, seu pai parece culpa-lo da derrota do Brasil na final da Copa de 50, data de seu nascimento, e pela perda da amante e maior amor da sua vida, a mãe verdadeira de Antônio. Porém, a volta do astrofísico têm um único objetivo: Procurar sua mãe biológica.A busca pelo seu “maior amor do mundo”.

No contato com a realidade suburbana carioca começa a brotar um novo sentimento em Antônio. Uma busca no passado - marcado pela não-linearidade e os flashbacks durante o filme – que dá sentido a uma vida sem esperanças de futuro. O protagonista descobre o que poderia ser a sua realidade.Pessoas misturadas aos montes de lixo, ao tráfico, à desordem e ao abandono social. Os próprios moradores do local têm a consciência desse Rio de Janeiro caótico, desassistido pelos programas sociais, de saneamento e de saúde.

Antônio conhece Mosca, o espelho do que poderia ser a sua vida, com pouco mais de dez anos envolvido no tráfico, que nunca freqüentou uma escola, morto, dias depois, vítima da violência da polícia. Apaixona-se pela mulata Luciana, por quem sente atração imediata e que se engravida após uma rápida relação entre os dois.

O tempo, cronológico e psicológico, marca profundamente a história e a morte de Antônio acontece no encontro dos dois, cronologicamente, no fim de sua busca e na manifestação terminal de sua doença e, psicologicamente, nos braços de sua mãe.

O maior amor do mundo não é, somente, a busca pelo amor materno.É a manifestação da vida nos derradeiros dias do protagonista, que brota do coração seco e que descobre, na realidade suburbana, seu sentido. Que desobedece ao tempo.O amor que pode ser o mais breve possível, mas a prova de que toda vida vale a pena.

Frankfurtianas....

A cultura de massa é “uma psicanálise ao revés”, é regressiva. Para Adorno e Horkeheimer, a “cultura de massa” não é nem cultura nem é produzida pela massa: sua lei é a novidade, mas de modo a não perturbar os hábitos e expectativas, a ser imediatamente legível e compreensível pelo maior número de expectadores e leitores.Evita a complexidade, oferecendo produtos à interpretação literal, ou melhor, minimal. Assim, a mídia realiza uma caça a polissemia pela demagogia da facilidade – fundamento da legitimidade desse sistema de comunicação.Adorno critica a Indústria Cultural não por ser democrática, mas por não o ser.A mídia transmite uma cultura agramatical e desortográfica, de tal forma que a educação retorna a condição do segredo, conhecimento de uma elite: “A luta contra a cultura de massa só pode ser levada adiante se mostrada a conexão entre a cultura massificada e a persistência da injustiça social”.

(Escola de Frankfurt - Luzes e Sombras do Iluminismo)

Crueldade e ironia: O cinema produtor de violência.

A sociedade passa por um período de banalização e espetacularização (como me referi no artigo BBB – O espetáculo superficial).Os ideais de liberdade e democracia sofrem constantes mutações, as utopias inexistem e a ruptura dos valores sociais nos introduz em um mundo cada vez mais competitivo, cruel e desumano.

É certo – e nenhum momento afirmo o contrário – que a violência é fruto de diversos problemas sociais que foram se agravando com políticas corruptas e mal estruturadas e por políticos que deixam o povo à mercê de seus interesses, mas os veículos de comunicação contribuem para essa banalização da violência.Exemplo disso são as séries e filmes produzidos pela indústria estadunidense nas últimas décadas.

O cinema americano inaugura, no final da década de 80 e início da década seguinte, um novo estilo cruel e sarcástico de fazer cinema.O “neo-brutalismo” como é conhecido, mescla ironia e crueldade, criando uma nova imagem ao bandido.Ele passa a ser o centro do espetáculo, pouco importando sua postura e suas ações.

Cria-se, assim, uma espetacularização da violência.Matar, violentar e torturar passa a ser tratado com bom humor, funcionando apenas como pano de fundo para a ação de quem executa o ato.

A violência como entretenimento nos faz pensar que tudo é normal. Somos meros espectadores da crueldade executada no meio social, somos cúmplices de uma sociedade cada vez mais desumana.

baixar bastardos inglorios rmvb pt br blogspot download bastardos inglorios dvd rip blogspot baixar tarantino bastardos inglorios gratis baixar filmografia completa tarantino download novo filme tarantino

Música - Buena Vista Social Club

Buena Vista Social Club é a reunião dos grandes nomes da música Cubana das décadas de 60 e 70. O álbum produzido pelo estadunidense Ry Cooder conta com a presença de Ibrahim Ferrer, Eliades Ochoa, Omara Portuondo, Rúben Gonzalez, Campay Segundo entre outros.
Na volta de Cooder à Havana para gravar o álbum solo de Ibahim Ferrer, o cineasta Win Wenders o acompanhou lançando o documentário homônimo vencedor de 10 prêmios internacionais e indicado ao Oscar 2000.
Este doc. gravado pelas ruas de Havana mergulha na história da cultura musical cubana e no universo fidelista mostrando o ostracismo no qual esses músicos foram submetidos ao longo dos anos.Uma viajem pela Cuba atual que relembra seu passado, revivendo através da música, uma cultura esquecida que de repente surge através deste projeto.

+ Buena Vista na Internet
Site Oficial: www.pbs.org/buenavista/

Margem da Palavra - A Terceira Margem do Rio

Texto: Renan Damasceno

“O seu palavreado diferente [de Guimarães Rosa] não é constituído propriamente de vocábulos “difíceis” ou desusados, como no caso de Euclides da Cunha ou Coelho Neto, mas de recriações e invenções forjadas a partir das virtualidades do idioma, que levam o leitor a constantes descobertas.” Augusto de Campos.

A Terceira margem do rio, sexto conto do livro Primeiras Estórias (1962), é uma celebração do silêncio, do sujeito que se desapropria da linguagem e fica à margem da vida. Uma narrativa silenciosa, que nos guia por um rio-texto, “rio abaixo, rio afora, rio adentro”.

O conto funda-se na narração do filho sobre seu pai “homem cumpridor, ordeiro, positivo” que decide viver em uma canoa à margem do rio. Narra o desgosto da família, seu sentimento de culpa, os anos que, rio acima, rio abaixo, seu pai vive sem se distanciar da margem. O conto termina quando a imagem do filho quase se funde com a do pai e o pedido do mesmo para quando morrer ser colocado em uma canoa, rio abaixo.

Guimarães Rosa se apropria da linguagem popular e cria um vocabulário calcado de neologismos, regionalismo e com sonoridades que se assemelham às criações joycianas. Metáforas e aliterações são comuns na narrativa como a seqüência fonética que dá fim ao texto “rio abaixo, rio afora, rio adentro – o rio”.

O personagem principal – o pai – caminha para uma não-existência ao quietar-se em sua canoa. Segundo Lacan, “existimos na linguagem e esta se relaciona com a cultura e com o social”, ao abrir mão desse instrumento de interação social, o personagem foge dessa ordem convencionada de existência.

O filho, incomodado com a situação, vive em sua culpa, de não ser capaz de tomar o lugar do pai e falha em sua última tentativa, ao fugir correndo pra longe da canoa.

Nesse conto de sentimentos desolados, culposos, de relação distanciada, tece a trama desse conto primoroso de Guimarães Rosa.

+ Guimarães Rosa na Internet:
O conto na íntegra : http://www.releituras.com/guimarosa_margem.asp

Ensaio - Corpo Fechado

*Texto: Renan Damasceno
*Foto: Ayron Borsari

Corpo Fechado é a antepenúltima das nove novelas que compõem Sagarana, romance inaugural da obra ficcional de Guimarães Rosa. Publicado em 1946, o livro é um dos precursores do pós-modernismo e firma a característica verticalizada de Rosa: a transcendência do estritamente regional para, assim, chegar a uma dimensão metafísica, universal do homem.

Esta é uma história de valentões e de espertos, de violência e de feitiços. A pequena e interiorana Laguinha é assombrada pela presença dos sucessivos “espanta-praças”: José do Boi, Desidério, Miliguido, Adejalma – “nome bobo, que nem é de santo” - , Targido e finalmente, Manuel Fulô.
Manuel Fulô (ou Manuel Veiga, Manuel Peixoto, Manuel Flor, Mané das Moças, ou ainda, quando xingado, Mané-minha-égua) é o anti-herói da história. Não trabalhava, de jeito nenhum, “e gostaria de saber quem foi que inventou o trabalho, pra poder tirar vingança” e, assim como Dom Quixote e o cavalo Rocinante, vivia acompanhado de sua besta nhata, Beija-Fulô, e juntos “centaurizavam gloriosamente”.
Por conviver algum tempo com os ciganos, aprendeu deles toda a sorte de truques possíveis, envolvendo animais de montaria. Quando decide casar, Targino, um dos valentões (aliás, um dos últimos) da cidade cisma em ter para si a noite de núpcias.
E aqui que começa a história que dá nome ao título. Targino, o “cobra que pisca olho”, “excomungado”, se encanta pela futura esposa de Manuel, das Dor.
Reboliço. Correrias. Movimentação do doutor.Renegando o sobrenome Veiga, esses que o apoiaram antes do momento fatídico. Antonico das águas, “que tinha alma de pajé” e era “curandeiro-feiticeiro”, agora entra na história para “fechar o corpo” de Manuel Fulô – em troca da égua Beija-fulô - “requisitando agulha-e-linha, um prato fundo, cachaça e uma lata com brasas”:
“- Fechei o corpo dele. Não careçam de ter medo, que para arma de fogo eu garanto!...”
Na rua da casa do Doutor, onde todos espiavam a suposta desgraça de Manuel, acontece o encontro.Targino erra os cinco tiros e Manuel com uma quicé, quase canivete, furou o valentão, que “girando na perna esquerda e ceifando o ar com a direita; capotou, deviveu”.
Mesmo com a lealdade dos Veigas, o ingrato novo-valentão termina o conto esbravejando aos quatro-ventos:
“-Conheceu, diabo, o que é raça de Peixoto?!”

Fica claro ao longo do texto a devoção do povo interiorano pelo “valentão”. Esse é invocado por diversas expressões que o santificam – como ser inatingível - ou o demonizam – como excomungado. Outra chave para desvendar o sertanejo de Corpo Fechado é a esperteza, a malandragem, o anti-heroísmo, presente em Manuel-Fulô. Podemos tomar isso como uma fuga, uma alternativa de sobrevivência, próximo do personagem João Grilo , da peça teatral O Auto da Compadecida, de Ariano Suassuna (1955).
Numa linguagem mesclada de arcaísmos, figuras de linguagem e tipismos mineiros, Rosa universaliza o sujeito regional. Atribui novas formas e qualidades e cria, a partir disso,uma nova concepção do homem sertanejo.

DiaryBoard - "Um choque de genialidade"

" Nem o capuccino quente depois do filme me ajudou a digerir Jean Luc Godard. Minha primeira experiência com seu cinema foi um choque, um espanto, um novo sentido de arte cinematográfica. Em uma palavra: Genialidade - pra não comentar em poucas e injustas linhas um brilhantismo irredutível.
"A Chinesa" (La Chinoise, 1967) é uma aula de socialismo, de revolução, de história. De Marx e Lenin a Sartre, Camus passando pelo teatro de Samuel Becket e Brecht, o roteiro é digno de um gênio. Godard é pra ser lido e não apenas assistido, as imagens complementam o brilhantismo do texto. É um filme para ser revisto, esmiuçado, estudado, digerido aos poucos.
Godard me proporcionou nas telas o que Garcia Márquez, Sartre e Borges me propiciam na literatura, um estado de euforia, um ecstasy, um prazer.Impossível traduzi-lo em palavras sem reduzi-lo"

Clássicos do cinema brasileiro - Vidas Secas

"Este filme não é apenas uma transposição fiel para o cinema de uma obra imortal da literatura brasileira.
É antes de tudo, um depoimento sobre uma dramática realidade social de nossos dias e a extrema miséria que escraviza 27 milhões de nordestinos e que nenum brasileiro pode ignorar. "

Inserido na fase mais produtiva do Cinema Novo, Vidas Secas é - do início ao fim - seco, árido e rude. A fotografia é marcada por excelentes locações, que reforçam o clima de aridez do filme.

Outra característica são os longos períodos de silêncio preenchidas por açoes ríspidas e excelente interpretação dos atores (principalmente as crianças que pouco falam durante o filme).
Uma das principais obras de um dos maiores diretores da história do nosso cinema, Nelson Pereira dos Santos.


Ficha Técnica
Título Original: Vidas Secas
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 103 min.
Ano de Lançamento (Brasil): 1963
Direção: Nélson Pereira dos Santos
Elenco: Átila Iório (Fabiano)
Maria Ribeiro (Sinhá Vitória)
Jofre Soares (Fazendeiro)
Maria Rosa

EspaçoLiteratura - Jorge Luís Borges

James Joyce
( in Elogio das Sombra, Borges, 1969)

Em um dia do homem estão os dias
do tempo, desde o inconcebível
dia inicial do tempo, em que um terrível
Deus prefixou os dias e agonias,
até aqule outro em que o umbíquo rio
do tempo terrenal torne a sua fonte,
que é o Eterno, e se apague no presente,
no futuro, no passado o que agora é meu.
Entre a aurora e a noite está a história
universal.Do fundo da noite vejo
a meus pés os caminhos de hebreu,
Cártago aniquilada, Inferno e Glória.
Dá-me, Senhor, coragem e alegria
para escalar o cume deste dia.


Borges, Jorge Luís ( 1889 - 1986) - Escritor. Considerado o maior poeta argentino de todos os tempos e um dos maiores escitores da Literatura mundial.
Meu guia pelos labirintos da escrita, uma fonte inesgotável de conhecimento e uma mescla requintada de experiências literárias de toda parte do mundo.
Borges é uma biblioteca que me atrevo a conhecer.

+ Borges na Internet:
Textos - www.releituras.com/jlborges_menu.asp
Biografia e entrevista - http://www.secrel.com.br/JPOESIA/jlb.html
Sobre a obra - www.terra.com.br/almanaque/vidaeobra/borges.htm
Crítica Literária - http://www.tanto.com.br/cassia-artigo.htm

Post-Urban, posturbanização, posturbação, pertubação.

O primeiro título desse blog - Urban Photography,Storyboard II - era referência ao gênero fotográfico que mais me agrada, no entanto nunca havia postado fotos do gênero aqui.



" O universo aqui é o da vida-satélite e dos tipos que giram em torno de órbitas próprias, colorindo a vida de um AMARELO HEPÁTICO E PULSANTE. Não o amarelo do ouro, do brilho e das riquezas, mas o amarelo do imbaçamento do dia-a-dia e do envelhecimento das coisas postas. Um AMARELO MANGA, farto. ( Trecho do fime Amarelo Manga de Cláudio Assis)



"O amarelo não entrou por acaso. Faz parte. Amarelo é sol nascente, isto é, novo dia, renascer. E é também a cor da gema do ovo. Tudo o que vive veio do ovo, se lembra das aulas de história natura!? É a cor do ouro, que representa nobreza, valor. Também a cor do amaranto, que não murcha. "
(José J. Veiga, texto: Vestido de fustão)




Fotos: Renan Damasceno.
Foto 2 - www.leedsphotography.co.uk

Cinema - As 5 melhores produções nacionais de 2005.

Infelizmente, mais uma vez, o Brasil não produziu filme de judeu e cachorrinho, afinal é disso que hollywood gosta!

1 – Dois Filhos de Francisco – (Dir: Breno Silveira, com Ângelo Antonio, Dira Paes, Jackson Antunes e José Dumond).
A favor do consenso, nenhuma obra produzida em 2005 supera a qualidade e o roteiro do primeiro longa-metragem de Breno Silveira. E sem dúvida, esta figura entre as maiores produções da história do cinema nacional.O filme mostra a trajetória da banda neo-sertaneja Zezé di Camargo e Luciano de forma simples , objetiva, com uma linguagem primorosa e não faz apologia à pobreza como única forma de alcançar o sucesso – erro crasso de várias produções nacionais.

2 - Cabra Cega – (Dir: Toni Venturi, com Leonardo Medeiros, Débora Duboc e Jonas Bloch)
Vencedor de grandes prêmios no circuito nacional, Cabra cega destaca-se pelo baixo orçamento e pela excelente qualidade de seus atores.O filme – passado em grande parte dentro de um apartamento, onde o revolucionário Tiago fica escondido da polícia – é marcado pelas incertezas, traições e pela força da juventude na luta contra a Ditadura Militar.Enredo sufocante. E a trilha sonora assinada por Chico Buarque e Fernanda Porto em uma excelente versão de Roda Viva.


3 – Cidade Baixa – (Dir: Sérgio Machado, com Lázaro Ramos, Wagner Moura e Alice Braga)
Passado na cidade baixa de Salvador o filme narra o triângulo amoroso da prostituta Karinna e os dois amigos, Naldinho e Deco.Quanto ao elenco é dispensável comentar que Lázaro Ramos e Wagner Moura são as duas maiores revelações dos últimos anos.O filme é seco, gritante e realista, com diálogos curtos e diretos.

4 – Cinema, Aspirinas e Urubus – (Dir: Marcelo Gomes, com Peter Ketnath, João Miguel)
Um dos filmes mais elogiados pela critica no festival de Cannes. Em 1942, no meio do sertão nordestino, dois homens vindos de mundos diferentes se encontram. Um deles é Johann, alemão fugido da 2ª Guerra Mundial,que dirige um caminhão e vende aspirinas pelo interior do país. O outro é Ranulpho (João Miguel), um homem simples que sempre viveu no sertão e que, após ganhar uma carona de Johann, passa a trabalhar para ele como ajudante. Viajando de povoado em povoado, a dupla exibe filmes promocionais sobre o remédio "milagroso" para pessoas que jamais tiveram a oportunidade de ir ao cinema.

5 - Gaijin, Ama-me como sou (Dir: Tizuka Yamazaki)

Grande vencedor do Festival de Gramado 2005, Gaijin II (como também é chamado pois funciona como uma continuação de Gaijin, filme da mesma diretora, de 1982) é a história de uma família japonesa radicada no sul do país desde 1908.As circunstancias históricas acabam adiando a volta da família para o Japão.Bom filme, realmente merecedor de prêmios deste nível.

A metáfora libertária de Glauber.

“Espero que o sinhô tenha tirado uma lição.
Que assim mal dividido esse mundo anda errado,
Que a terra é do Homem,
Não é de Deus nem do Diabo" .
(João Guimarães Rosa)

Misticismo e fanatismo cego estão no centro da obra que projetou Glauber Rocha. “Deus e o Diabo na terra do sol” retrata as alucinações, as visões e a loucura que a fome, a miséria e a ignorância podem inspirar num povo desesperado.

Glauber narra a realidade nordestina na pele de Manuel, vítima do coronelismo, marcado pela seca e entregue às profecias e ao fanatismo dos homens, dividido - sem nenhuma conduta – entre Santo Sebastião (o profeta negro que promete que o sertão vai virar mar) e Corisco (o cangaceiro que faz justiça com suas mãos, por si e em nome de Lampião).

Assim, fundem-se as imagens de Deus e o Diabo na pele desses dois homens marcados pela loucura e pela solidão da seca (que no filme fica mais evidente pela voz de Othon Bastos narrando as duas personagens). A missão de exterminar Deus e o Diabo fica a encargo de Antônio das Mortes.O homem sem crença e livre, dono de sua própria lei. Reside na carabina de Antonio das Mortes o ideal libertário e revolucionário do filme. Exterminados o profeta e o cangaceiro, seria o primeiro passo para a saga da libertação do povo nordestino, uma revolução social tirando-os da ortodoxia, das promessas de salvação e da opressão religiosa.

Os paradoxos apresentados em Deus e o Diabo na Terra do Sol - entre a morte de Deus e a valorização do homem - marcam uma das características das obras do Cinema Novo, inspirado em obras francesas e principalmente no realismo Italiano (com Rosselini sendo seu grande inspirador).A valorização do homem e sua cultura como única forma de libertação é o que busca a estética cinema-novista, renegando a forma hollywoodiana, criando uma forma essencialmente brasileira de fazer cinema.

O realismo é presente no cenário do filme.O sol escaldante, o gado morto e as pedras no solo seco demarcam o caminho da lenta procissão de êxodo nordestino em busca da terra longínqua onde “choverá ouro e pedra se transforma em pão”.Os simbolismos religiosos são representados de forma crua com o sacrifício em nome de Deus, a purificação da alma com o sangue de um recém nascido e a imagem bíblica da mulher traidora na pele de Rosa, esposa de Manuel.O povo de Morro Santo vê-se preso entre a cruz e a espada, entre a profecia e a realidade sertaneja.

Enfim, fugindo das dimensões divinas e satânicas, entre Deus e o Diabo, jaz o homem, dono de sua própria história e da busca incessante pela liberdade.

Ficha Técnica:
Título Original: Deus E O Diabo Na Terra Do Sol
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 125 min.
Ano de Lançamento (Brasil): 1964
Direção: Glauber Rocha
Roteiro: Glauber Rocha e Walter Lima Jr.
Fotografia: Waldemar Lima

Elenco: Geraldo Del Rey ( Manuel) Othon Bastos ( Corisco) Maurício do Vale ( Antônio das Mortes) Yona Magalhães (Rosa) Lídio Silva ( Santo Sebastião)